La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina

Llega ya la segunda entrega de la trilogía de Millennium, apenas unos meses después de la primera, basada en la novela del mismo título de Stieg Larsson, y que sigue donde lo dejó Los hombres que no amaban a las mujeres.

La película tiene una gran ventaja sobre el libro, y es que no pierde el tiempo con repeticiones tediosas de lo que pasó en la primera parte, ni siquiera para volver a presentarnos a los personajes. Con un par de flashbacks de unos segundos deja el tema resuelto, lo que es de agradecer, y entra directamente en harina: el guardián-violador de Lisbeth Salander quiere librarse de ella como sea, por lo que se pone en contacto con cierta gente de su pasado. Por otro lado, un colaborador de la revista Millennium que prepara un extenso artículo sobre la trata de blancas en Suecia es brutalmente asesinado junto con su novia, de lo que culparán a Lisbeth, y se empieza a hablar ya de la policía secreta Sueca y de la trama política que da lugar su internamiento y su declaración de incapacidad, que será en lo que se centrará el desenlace de la trilogía.

Estas dos tramas, que están relacionadas, son las que traen de cabeza a Lisbeth y Mikael Bloomkvist en esta ocasión, pero no voy a contar más para no chafarle la peli a nadie. No como ha hecho el tarado que montó el trailer, que hace falta ser mala persona, porque digo yo que aunque parezca increíble no todo el mundo se habrá leído los libros.

A pesar de que esta vez los acontecimientos afectan a Salander de forma personal, sigue mostrando la misma frialdad que en la primera parte, como si la cosa no fuera con ella, y eso es algo que a mí me desconecta de la historia, porque si a la afectada le da igual no veo por qué me va a importar a mí.

La película tiene un buen ritmo, los actores están más que correctos, y que es entretenida ya lo saben los millones de lectores de Larsson. Afortunadamente no hay nada tan desagradable como la escena de la violación de la primera parte, que era como para ponerse mala. Todo el sexo de la peli es consentido y lésbico, que habrá a quien le parezca de lo más transgresor, pero a mí me aburre mogollón.

En cuanto a los defectos de la película, son los mismos que los de los libros. Lisbeth Salander no sólo es la pera de lista, sino que debe de ser la otra identidad secreta de Superman, porque si no, no se explica que una chica de metro y medio y menos de 50 kilos haga esas cosas. Yo lo sé bien, porque son mi peso y mi estatura, y no tengo media torta. También he echado de menos los impresionantes paisajes nevados de la primera que daban aquella sensación de vacío y soledad, ya que esta historia se desarrolla prácticamente toda en Estocolmo, y además en verano (o lo que entienden los suecos por verano).

Ésta es una película, aún más que la primera parte, para fans incondicionales de la saga de Larsson, pero no creo que interese demasiado al resto del público, a menos que quieran divertirse identificando muebles de Ikea o ropa de H&M.

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El secreto de sus ojos

La nueva película de Juan José Campanella, director de El hijo de la novia, es una intriga policíaca que se desarrolla a lo largo de 25 años. El protagonista es Benjamín Espósito, un empleado de los juzgados interpretado por Ricardo Darín (qué tipo tan atractivo, se parece a Tom Skerritt) quien, tras jubilarse, decide escribir una novela sobre la investigación del caso de violación y asesinato de una joven con el que lleva obsesionado toda la vida.

La película, mediante una serie de flashbacks, sigue dos líneas temporales, una en el presente con Benjamín volviendo a contactar con su antigua jefa en el juzgado y amor frustrado, y la otra empezando 25 años atrás, durante la investigación, según se van despertando sus recuerdos. La desazón y desamparo del marido de la víctima, su devoción por su esposa muerta y su confianza en que atraparán al asesino causan tal impresión en Benjamín que no puede dejar de insistir, aun cuando le supone violar la ley y meterse en problemas con el juez del caso, y es sólo gracias a su tesón que consiguen identificar y localizar a un sospechoso. Pero la situación política de la Argentina de la época hace que las cosas se compliquen, el asesino queda impune y Benjamín ve su vida en peligro.

Todos los secundarios están estupendos. El toque de humor lo pone Guillermo Francella, el compañero de trabajo de Benjamín, un alcohólico al que siempre tiene que estar rescatando de peleas de bar y que está fantástico. Y el romance, Soledad Villamil, el amor platónico de Benjamín, una chica de buena familia que está muy por encima de sus posibilidades. Al retomar el contacto con ella para recordar los detalles del caso él se pregunta cómo podría haber sido su vida, y si todavía podrá reconducirla hacia algo que merezca la pena. Y el asesino, interpretado por Javier Godino, es escalofriante. Hay una escena en un ascensor del Ministerio del Bienestar Social que pone los pelos de punta.

La película mantiene siempre la tensión, con un ritmo a veces hasta trepidante, y con una fotografía y unos encuadres estupendos. Hay un plano secuencia de un estadio de fútbol que resulta espectacular, por mucho que sepamos que tiene truco, y en cambio en las escenas de diálogo casi parece que nos estamos asomando por encima del hombro de los protagonistas. Solo pongo una pega, y es algo que pasa mucho en el cine actual: la repetición de flashbacks. Es cierto que en este caso es justo al final, como para rememorar los detalles más importantes, y son muy breves, pero aún así es algo que me revienta. Parece que los espectadores tuviéramos memoria de pez, y que fuéramos incapaces de recordar nada que haya pasado hace más de 45 minutos. Si ya lo he visto una vez no necesito que me lo repitan, gracias.

Pero lo más impactante de toda la película es el final, que por supuesto no voy a contar, pero que es tan tremendo, tan duro y tan implacable que una no sabe si quedarse planchada en la butaca o salir corriendo del cine.

En resumen, una película muy recomendable, original, bien llevada y bien filmada, lo que no es nada frecuente.

 

Ágora

Acabo de pasar un mes y dos días en Ruanda, sin cine y con una televisión en la que sólo emitían fútbol: la liga española, la liga italiana, la liga inglesa, la Champions, las ligas africanas… No creí que hubiera tanto fútbol en el planeta, pero si lo hubiera fuera del Sistema Solar, lo emitirían en Ruanda.

Por supuesto, he llegado con un mono de cine tremendo, y deseando ir a ver alguna película, cualquier película. Por suerte el otoño es época de buenos estrenos, así que me encontré con varias opciones, y me decidí por Ágora, la superproducción de Alejandro Amenábar. Este chico no es santo de mi devoción, me parece que hace películas correctas, pero que tampoco son para tanto. Que no es Scorsesse, vamos.

Menudo muermo.

La peli narra la historia de Hipatia de Alejandría, filósofa del siglo IV d.C., que escribió varios tratados sobre matemáticas y astronomía en una época en la que el cristianismo estaba en pleno auge, y de la destrucción a manos de los cristianos de la famosa biblioteca de Alejandría. Ya es raro que una película tenga por protagonista a un científico, en esta sociedad en que se encumbra a cualquier tarugo capaz de darle patadas a un balón, pero en la que si uno es inteligente lo más probable es que le den palizas en el colegio. Pero yo diría que Amenábar no tiene muy claro qué hace un matemático. Para hacernos ver que Hipatia es la mar de lista, en una secuencia al principio de la peli nos la enseña corrigiendo a su padre, el filósofo Teón: “No, padre, no da 16, da 14”. Una conversación muy plausible para una mujer que mejoró el diseño del astrolabio, aparte de que los matemáticos no trabajan con números, sino con letras (A= B, B=C => A=C). En otro momento la tenemos discutiendo la teoría heliocentrista con uno de sus esclavos. Sí, seguro que era así como la chica contrastaba sus ideas. ¿Es que los cineastas no saben retratar a un científico sin soltar chorradas? Creo que la única peli que lo consigue es Una mente maravillosa.

A partir de ahí, la cosa empeora. No consiguió interesarme en absoluto, ni con el conflicto entre paganos y cristianos o entre judíos y cristianos (o entre cualquiera y los cristianos), ni con el pseudo-triángulo amoroso entre Hipatia, su alumno Orestes y su criado, que estaba claro que no iba a llegar a ninguna parte, ni con los planos aéreos de Alejandría y su faro. ¿De qué iban esos momentos Google Maps? ¿Teníamos que ver la insignificancia de los problemas humanos ante la vastedad del universo? Entonces, ¿para qué contar la historia?

Qué puedo decir, me cabrea ver a gente quemar libros, y a un cura salirse con la suya. En esta película tenemos las dos cosas, pero todo ocurre con tanta lentitud y es tan aburrida que ni siquiera consiguió indignarme.

Donde seguramente levantará ampollas será en los EEUU cuando se estrene allí, porque pone a los cristianos como una pandilla de vándalos destructivos y traicioneros. Podrían hacer una sesión doble con Dogma, a ver a cuántos cines les prenden fuego.

Ya sabía yo que debería haber ido a ver la de Woody Allen.

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Enemigos públicos

Me moría de ganas de ir a ver esta película. ¡Una de gangsters de los de antes! ¡Con Johnny Depp! Gangsters en coches con estribo, hombres con sombrero y trajes de chaqueta cruzada -uno de ellos Johnny Depp- y con metralletas Thompson, atracando bancos a diestro y siniestro. ¡Y Johnny Depp! Como “Los Intocables de Elliot Ness”, ¡pero con Johnny Depp! ¿Qué más se puede pedir? ¿Un buen director? ¡Pues tenemos a Michael Mann! Todos los ingredientes para hacer una gran película.

Qué decepción.

Para empezar la peli parece filmada con cámara digital, lo cual es un horror. Tal vez sea que el cine en el que la vi no está preparado para este sistema, pero la cuestión es que la imagen tenía una calidad pésima, casi parecía vídeo. Las escenas son todas oscurísimas, incluso a plena luz del día, y muy poco nítidas, llenas de ruido. Además, en cuanto hay una luz artificial en la escena, sólo se ve un destello cegador. Hay una escena de un tiroteo nocturno en la que no se ve ni pijo. Soy incapaz de decir a quién matan, tanto en un bando como en el otro.Por supuesto, como es habitual en el cine actual, está todo lleno de primeros planos porque está claro que no hay nada más interesante que verles los poros a los actores. Cuando las pelis se rodaban usando sobre todo el plano medio se podía dar muchísima información en una única escena, porque mientras unos personajes hacían algo en primer término podían pasar montones de cosas por detrás de ellos, o los otros actores reaccionar a lo que estaba pasando. En cambio, un primerísimo plano de Johnny Depp no permite ver ni la expresión de su cara, sólo las ventanas de su nariz.

Por si eso fuera poco, tenemos aquí un ejemplo más de la poderosa influencia de Spielberg. En 1998 el amigo Steven se puso la cámara al hombro para rodar “Salvad al soldado Ryan“, lo que daba a las escenas de batalla una sensación de realismo tremenda, casi parecía que estaba uno metido en el lío. Y está visto que a todos los demás directores les pareció una idea buenísima, porque hay un montón de pelis desde entonces en las que usan la misma técnica, venga a cuento o no (me viene a la memoria el muermo de El jardinero fiel). Michael Mann demuestra ser un fiel seguidor de Spielberg en esta ocasión: da igual que esté filmando tres tipos plantados en medio de la calle o a Johnny Depp sentado en una celda, ahí tenemos la cámara al hombro, con lo que las imágenes, además de oscuras, poco nítidas, desenfocadas y en primerísimo plano, ¡están movidas! Sale uno del cine con ganas de vomitar, como si el operador de cámara tuviera párkinson.

Tengo un mensaje para los directores de cine de todo el mundo: que vuelva la Steady-Cam ¡YA! Y el plano americano.

En cuanto a la historia, tampoco me ha entusiasmado. No se nos da apenas información sobre los personajes, no sabemos qué los motiva ni las razones para sus actos. ¿Por qué Dillinger sólo robaba bancos, y no a gente corriente? ¿Por qué era tan leal a sus compañeros? El agente que lo perseguía, ¿tenía familia? ¿O una vida fuera del tiempo que pasaba intentando capturarlo? No lo sé, y parece que el guionista tampoco.

Es verdad que Johnny Depp está muy bien, cuando se consigue enfocar la vista en él unos segundos. Tiene ese aire de confianza en sí mismo arrolladora y de enorme carisma que dicen que tenía Dillinger. Si la cámara lo hubiera enfocado durante más rato, la película habría mejorado muchísimo. En lugar de eso tenemos una historia mal contada y mal filmada, que sólo produce aburrimiento y mareo.

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Mi vida en ruinas

A la vista de lo espantosa que es la cartelera esta semana, estaba resignada a esperar al viernes para ver a Johnny Depp, hasta que me sugirieron ver Mi vida en ruinas, una comedia ambientada en Grecia protagonizada por Nia Vardalos, la actriz de Mi gran boda griega.

Supongo que los productores de esta peli, entre ellos Tom Hanks, que ya produjo la otra, pretendían explotar aquel filón. Como Vardalos estaba tan graciosa en una película con la cultura griega como telón de fondo, tendría que estar aún más divertida metida en Grecia.

Mi gran boda… era una peli mona, simpática, llena de personajes que resultan entrañables incluso cuando escupían a la novia. En cambio en esta nueva película han cogido a un montón de turistas paletos y los han plantado en Grecia, venga a protestar por todo: el calor, la comida, los monumentos… Los turistas son un horror: la mayoría son estadounidenses, con una pareja de australianos a los que no se les entiende nada y se pasan el rato borrachos, y dos españolas divorciadas a la caza de hombres (María Adánez y María Botto, totalmente desaforadas) para dar un aire internacional a la cosa. También hay tres señoras mayores de nacionalidad desconocida que salen fugazmente al principio y no vuelven a aparecer en toda la película. Se pasan el rato protestando por el calor, por la comida, por lo mucho que se aburren visitando todas aquellas ruinas tan rotas…

El único que se salva es Richar Dreyfuss, que está correcto con lo poquito que le dan para trabajar al pobre. Y Vardalos parece estar allí retenida a punta de pistola.

No puedo entender ni sentir ninguna simpatía por ese tipo de turistas que van con desgana a todas partes, que se quejan de la cantidad de escalones y que prefieren comprar la réplica del Partenon antes que ver el monumento original. Recuerdo cuando estuve en Florencia y casi no podía caminar porque se me salió un hueso del pie del sitio. Aún así fui arrastrando la pata hasta La Academia, e hice una hora de cola para ver el David de Miguel Angel; mereció la pena, aunque al final del día el dolor del pie me llegaba a la rodilla. ¿Para qué salen de su país unas personas que no tienen interés en ver nada, ni en probar nada, ni en ir a ninguna parte? Deberían irse de vacaciones a Disneylandia, seguro que allí serían felices. Desde luego, a mí son incapaces de provocarme la menor sonrisa.

No he mencionado el romance, porque eso ya es de lo peor. A la chica nos la emparejan con el conductor del autobús, un melenudo de barbas que parece Una-Bomber, hasta que se afeita y pretenden hacerlo pasar por un Adonis, y encima uno de profunda vida interior, para compensar que no es más que un chófer medio lerdo, y que tampoco está tan bueno, la verdad.

Total, un par de situaciones medio graciosas, un Richard Dreyfuss que parece estar en otra peli, algún chistecito sobre griegos homosexuales, y se acabó, ni un minuto demasiado pronto.

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Up

La nueva aventura de Disney-Pixar se sale de lo común en muchas cosas. Para empezar, el protagonista no es un joven aventurero, ni una princesita, ni un animalito peludito y hablador, sino un anciano cascarrabias, con su lumbago y su audífono, pero dispuesto a cumplir el sueño de su infancia. Y su compinche no es un grillo, ni un genio en una botella, ni el susodicho animalito peludito, sino un boy-scout (de origen asiático, que estamos en plan multi-racial), ansioso por ayudar y dar la lata, pero que procede de un hogar desestructurado.

Pero lo más peculiar es que, aunque tiene las gracias y chistes habituales en una película para niños, es una historia de una gran tristeza. La película empieza narrando la historia de Carl y Ellie, que se conocen de niños, y en seguida descubren que comparten una afición: los dos son grandes admiradores de un famoso explorador de las selvas venezolanas, y quieren ser exploradores cuando crezcan.

En una secuencia preciosa sin diálogo, sólo con música, vemos la historia de sus vidas. Como crecen, se casan, arreglan su casita, se llevan alegrías y disgustos (uno muy gordo que no voy a contar). Intentan ahorrar para cumplir su sueño de ir a la selva, pero la vida se interpone en sus planes, y así continúan, hasta la muerte de Ellie. Y nos quedamos con Carl, anciano y solo, que continúa en la misma casa, negándose a cambiar nada, hasta que decide llevar a cabo el viaje tanto tiempo planeado. Pero como no quiere separarse de su casa y sus recuerdos, decide llenarla de globos de helio y llevársela consigo, con el pequeño boy-scout como polizón. Todo esto en los primeros 15 minutos de película.

El viaje es breve pero intenso, y tampoco lo voy a contar, ni lo que encuentran al llegar a su destino, pero es algo memorable y tan lleno de aventuras como un Indiana Jones. Y me recordó un poquito a El castillo ambulante. Me parece estupendo que se esté notando la influencia de Miyazaki en la Disney.

El final vuelve a tener ese toque melancólico y triste, a pesar de ser un final Disney. Es casi un Disney resignado, si eso es posible.

No he visto la versión 3D, pero tampoco lo he echado de menos. Por lo que me han contado, el 3D apaga bastante los colores, y en esta película eso sería una lástima, con el colorido tan espectacular que tiene la selva. Y esa casa llena de globos. 

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Harry Potter y el misterio del príncipe

Acabo de llegar del cine de ver la  última peli de Harry Potter. He ido sola, porque la amiga con la que suelo ir al cine prefiere beber cicuta que tener que ver algo así. Es una de esas personas a las que les gusta leer e ir al cine, culta y sensata, pero que detesta cosas como El Señor de los Anillos. ¿A que es desconcertante?

Cuando estaba esperando para entrar en el cine vi un grupo de chicos, todos ellos con la edad de crecimiento totalmente superada, que iban disfrazados a ver la peli, y eso me hizo recordar. Cuando fui al estreno de El retorno del Rey, hice unas camisetas para mí y mis amigos, negras con el árbol blanco y las siete estrellas impresas. Fueron un exitazo entre mis amigos frikis. Lo he estado pensando, y creo que somos distintos a los demás: vemos el mundo tal como es, en eso no nos engañamos, pero cuando alguien nos ofrece otra realidad más interesante, con caballeros de brillante armadura que salen a matar dragones, sin cinismos, que se enfrentan al Mal con M mayúscula (y no me refiero a Corea del Norte), ¡nos encanta! ¡Queremos más de eso! Los frikis sabemos que la magia no existe, pero preferimos pensar que somos muggles y por eso no podemos percibirla.

Nos dicen que es algo infantil, y en cierto modo lo es. También es algo más propio del género masculino, o al menos antes lo era. El único defecto que le encuentro a El Señor de los Anillos es Arwen: una virgen de 1800 años que se queda en casa bordando, esperando a que venga su príncipe. Ahora las chicas también podemos matar dragones, y ahí está Hermione Granger para demostrarlo.

Ya sé que ésto no es Kafka, pero ¿quién querría llamar Gregor Samsa a su avatar de un videojuego? Me quedo con Aragorn mil veces.

Y la peli bien.

 

Terminator Salvation

Fue mi primo el que me habló del primer Terminator. Me dijo que había ido a ver una peli al cine que le había encantado, así que ese fin de semana me fui a verla con los hermanos Lamas, y me pareció una pasada. Años más tarde fui a ver la segunda parte, que también me gustó muchísimo. La tercera ya era harina de otro costal, y de esta última es casi mejor no hablar.

En realidad las mejores cosas de esta película son las que pertenecen a las anteriores: “ven conmigo si queires vivir”, “volveré”, la gasolinera donde Sarah Connor se para al final de la primera y donde le hacen la foto, la banda sonora que hizo Guns ‘n Roses para la segunda parte…

Por lo demás, es una película de acción sin orden ni concierto, sin argumento y sin ningún objetivo. John Connor era más interesante a los 12 años.

 

Genova

Tras la muerte de su esposa, Colin Firth decide irse con sus hijas a pasar un año a Génova, donde le han ofrecido un puesto de profesor invitado.

Una vez allí, él se dedica a sus clases, dejando a las niñas bastante a su aire, y cada una supera el trauma como puede. La mayor, que es una borde anoréxica y una desagradable, tirándose a todo el que se le pone a tiro, y la pequeña, charlando con el fantasma de su madre. La cría borda el papel, llorando con un desconsuelo que le rompe a uno el alma, y llamando a gritos a su madre.

Colin Firth está divino de la muerte, como siempre, y vuelve loquitas a sus alumnas. Si yo hubiera tenido un profesor que se pareciera a él también habría estado alterada, pero los míos se parecían más a Bill Gates.

La imagen que dan de la ciudad no es muy buena que digamos, está todo sucísimo y medio en ruinas, con callejones llenos de prostitutas, y las playas abarrotadas de gente. Pero es una peli interesante.

 

The International

Una peli sobre corrupción en las altas esferas financieras. Clive Owen interpreta a un investigador de la Interpol que lleva años tras un banco internacional involucrado en la venta de armas al Tercer Mundo, y que llegan incluso al asesinato cuando alguien se interpone en su camino. Naomi Watts es la ayudante del fiscal de Nueva York, y lo ayuda en su investigación. Haciendo un inciso, ¿cómo puede nadie pensar que Nicole Kidman es más guapa que esta chica? La Kidman es inexpresiva (botox), descolorida (pelo teñido), y parece que se haya tragado el palo de una escoba, mientras que esta chica es un bellezón impresionante, pero mucho más natural.

Es un poco deprimente, porque la conclusión es que todo el mundo se beneficia de este tipo de cosas, y que las autoridades siempre van a mirar hacia otro lado.

Lo mejor de la peli, aparte de Clive Owen, que está divino de la muerte, es un tiroteo espectacular en pleno Guggenheim de Nueva York. Queda el museo hecho unos zorros, pero es lo que tiene el arte moderno: da la impresión de que se puede reemplazar cualquier pieza sin problemas. Si llegara a pasar algo así en el Prado, sería para echarse a llorar a gritos.